Tema: Estaciones del año
miércoles, 3 de agosto de 2011
Retrato
Los retratos muestran las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.
Los retratos, o bien son preparados, o bien son espontáneos -aunque todos aceptan un grado de improvisación. Si pretendemos hacer un retrato serio –por así llamarlo- necesitaremos un mínimo de preparación. En este sentido, será necesario asegurarse que el modelo tenga un semblante que se adecue a la óptica con la que queramos enfocar –en un sentido metafórico- nuestra composición.
Con ello no pretendemos sugerir que sea necesariamente guapo, sino que venga predispuesto a pasarse unos minutos frente a la cámara. El fotógrafo, por su parte, deberá de tener previamente elegidos los puntos de vista; conocer el escenario, las poses que se van a pedir y el material necesario, etc. De nada sirve lamentarse por no tener un reflector plateado si no podemos remediarlo.
El principio de un retrato suele consistir en ubicar el sujeto. Es conveniente emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados que puedan distraer la atención -el sujeto es lo más importante- y, si es posible, situarlos fuera de enfoque.
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Los retratos, o bien son preparados, o bien son espontáneos -aunque todos aceptan un grado de improvisación. Si pretendemos hacer un retrato serio –por así llamarlo- necesitaremos un mínimo de preparación. En este sentido, será necesario asegurarse que el modelo tenga un semblante que se adecue a la óptica con la que queramos enfocar –en un sentido metafórico- nuestra composición.
Con ello no pretendemos sugerir que sea necesariamente guapo, sino que venga predispuesto a pasarse unos minutos frente a la cámara. El fotógrafo, por su parte, deberá de tener previamente elegidos los puntos de vista; conocer el escenario, las poses que se van a pedir y el material necesario, etc. De nada sirve lamentarse por no tener un reflector plateado si no podemos remediarlo.
El principio de un retrato suele consistir en ubicar el sujeto. Es conveniente emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados que puedan distraer la atención -el sujeto es lo más importante- y, si es posible, situarlos fuera de enfoque.
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sábado, 16 de julio de 2011
Helmut Newton
Helmut Newton —Helmut Neustädter— (31 de octubre de 1920 - 23 de enero de 2004) fue un fotógrafo australiano de origen alemán que se considera uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.1 Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.
El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas las fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos donde algunas de ellas se han convertido en una imagen icónica del siglo XX.3 Realmente, Newton ha sido un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente con su cámara lograba captar la belleza como nadie .
Alberto Korda
Aunque su formación es autodidacta aprendió fotografía en un inicio con Newton Estapé y después con Luis Pierce. Con el triunfo de la Revolución Cubana en 1959, trabajó para la Revolución y acompañó a Fidel Castro como fotógrafo en distintos recorridos que el líder cubano realizaba en esos años.
Premios:
- La Distinción por la Cultura Cubana (1982, Cuba).
- Tercer premio en el 5to. Premio Internacional de Fotografía Submarina "Mauricio Sana" (1979, Italia).
- La Orden Félix Varela de Primer grado (1994, Cuba).
- El Premio OLORUM CUBANO, correspondiente a 1998, del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica.
- Primer premio Foto Histórica de la revista Revolución y Cultura; X Salón Nacional de Fotografía 26 de julio (1980, Cuba).
Richard Avedon
Fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros.
Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco.
Michiko Kon
Fotógrafo japonés. Sus naturalezas muertas con piel de pescado, huevas de salmón, el repollo relleno de medias, a veces en forma de ropa, han sido bien recibidos tanto en Japón como en el extranjero. Sus fotografías se construyen, con negros profundos y blancos brillantes, y muy divertido. Sus primeros trabajos aparecieron en la monografía de 1987 Coma, y en una segunda monografía, Michiko Kon, Naturaleza Muerta, en 1997. Ha recibido numerosos premios.
El uso de peces, aves, telas, alfileres y otros objetos comunes que una variedad de construcciones de objetos pequeños que pueda tener o haber usado una sola vez. "Medregales y Hat" es al principio un simple sombrero, sentado en un mantel sobre un fondo oscuro. El material es de escamas de pescado, y una rosa descansa en el borde. Una cola que sobresale de la parte superior con orgullo, como una pluma. Estas no son imágenes visuales complejas, pero las implicaciones son enormes
"Los girasoles y las sardinas", un florero con girasoles 2, el centro de la más grande que se hace de ojos de pescado, y un par de colas de sardina de pétalos, podría ser la recompensa de un paseo matinal por el jardín, si no fuera por la falta de contexto visual.
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"Los girasoles y las sardinas", un florero con girasoles 2, el centro de la más grande que se hace de ojos de pescado, y un par de colas de sardina de pétalos, podría ser la recompensa de un paseo matinal por el jardín, si no fuera por la falta de contexto visual.
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miércoles, 13 de julio de 2011
Cualidades del sujeto
Textura:
Gracias a la textura podemos reconocer como está formada la superficie
de los objetos. En la vida real lo sabemos con el tecto, en fotografía se
capta con un punto de vista y una iluminación adecuados.
Ritmo:
El ritmo es la repetición de una forma, una línea o un color. Las líneas son uno de los elementos más simples para crear ritmo. Una hilera de árboles, la alternancia entre claros y sombras o una sucesión de cadenas montañosas observadas desde un punto de vista elevado pueden ser explotadas fotográficamente desde una perspectiva rítmica.
Forma y volumen:
Muchas veces la forma es el aspecto más importante de una fotografía. Nos basta con la silueta o el perfil de un objeto para reconocerlo. La cámara, a diferencia de nuestra vista, ve en un sólo plano, por lo que si queremos destacar la forma de un objeto habrá que conseguir que llame fuertemente la atención.
Para conseguir tomas impactantes de objetos con formas atractivas conviene tener en cuenta las siguientes recomendaciones:
Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles (por ejemplo realizando un contraluz que destaque únicamente su silueta. Acercarnos al encuadrar, de forma que aislemos la formas de un sólo elemento del motivo. Utilizar un fondo lo más uniforme posible y que no distraiga la atención. Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo. Utilizar al máximo las normas de composición, ritmo y equilibrio para destacar la forma.
Lineas:
Dirigen la mirada de la persona que ve la foto, da profundidad y tienen significados psicológicos si son usados correctamente.
Gracias a la textura podemos reconocer como está formada la superficiede los objetos. En la vida real lo sabemos con el tecto, en fotografía se
capta con un punto de vista y una iluminación adecuados.
Ritmo:
El ritmo es la repetición de una forma, una línea o un color. Las líneas son uno de los elementos más simples para crear ritmo. Una hilera de árboles, la alternancia entre claros y sombras o una sucesión de cadenas montañosas observadas desde un punto de vista elevado pueden ser explotadas fotográficamente desde una perspectiva rítmica. Forma y volumen:
Muchas veces la forma es el aspecto más importante de una fotografía. Nos basta con la silueta o el perfil de un objeto para reconocerlo. La cámara, a diferencia de nuestra vista, ve en un sólo plano, por lo que si queremos destacar la forma de un objeto habrá que conseguir que llame fuertemente la atención.
Para conseguir tomas impactantes de objetos con formas atractivas conviene tener en cuenta las siguientes recomendaciones:
Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles (por ejemplo realizando un contraluz que destaque únicamente su silueta. Acercarnos al encuadrar, de forma que aislemos la formas de un sólo elemento del motivo. Utilizar un fondo lo más uniforme posible y que no distraiga la atención. Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo. Utilizar al máximo las normas de composición, ritmo y equilibrio para destacar la forma.
Lineas:
Dirigen la mirada de la persona que ve la foto, da profundidad y tienen significados psicológicos si son usados correctamente.Composición Fotográfica
Regla de los tercios:La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos donde estas lineas se cruzan son los mejores para situar el punto de interés, alejandolo del centro de la fotografía.
Estos cruces o puntos fuertes sirven para atraer más al espectador y para darle dinamismo a la foto.
Centro de interés:
Ubicar en tu fotografía el centro de interés es de lo más importante ya que es de lo que habla y lo que quieres que los demás sepan de esa foto. Si tu foto es de una fuente, que sea obvio que es de la fuente y no de cualquier otra cosa.
No porque se llame centro de interés significa que debe estar en el centro, como ya se mencionó en la regla de los tercios.
Regla de dirección:
miércoles, 1 de junio de 2011
Graciela Iturbide
En 1969, inicia sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México, lugar donde comienza su carrera en el mundo de la imagen, al realizar una película sobre la vida y obra de José Luis Cuevas.Graciela aprende de Manuel Álvarez Bravo a ver el mundo desde otra perspectiva, misma que se puede observar en sus obras, inspiradas en su mentor.
Sus obras tienen interes por la cultura, los rituales y la vida cotidiana de México y otros paises.
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| Añadir leyenda |
La muerte de su hija marca a Graciela porque es donde comienza su necesidad de fotografiar a la muerte. Tras un largo periodo en el que se enfocaba solo en la muerte, cuentan que Graciela iba caminando por el cementerio donde su hija estaba y encontró a medio camino un cuerpo desenterrado al que le toma foto. Ella sabe que la muerte está dejando ser fotografiada para que su obsesión con ella termine.
Ha recibido varios premios:
2008 Premio Hasselblad
1990 Premio Internacional Hokkaido (Japón)
1987 Premio Eugene-Smith en fotografía humanitaria
1986 Premio Organización Internacional del Trabajo de la ONU por su portfolio El empleo a su carencia
Henri Cartier Bresson - El momento decisivo -
Estudió pintura en el Lycée Condorcet de París.
En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera cámara Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo.
Técnica
Jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada(purista). Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.
Viajó por medio mundo retratando a Picasso, Marie Curie, Fidel Castro o el Che. Ademas cofundo la agencia Magnum con Robert Capa entre otros.
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Partes de la cámara
1.- Palanca de arrastre: Permite mover el rollo entre disparo y disparo.
2.- Dial de velocidades: Es el que selecciona la velocidad de obturación a la cual va a trabajar la cámara.
3.- Zapata caliente: Es donde se inserta el flash.
4.- Botón de disparo: Es la que permite disparar y tomar la fotografía.
5.- Palanca de rebobinado: Permite introducir la película en el chasis después de haber sido expuesta.
6.- Mirilla: Es por donde se ve la imágen que va ser fotografiada.
7.- Obturador: Es una cortina de metal o tela que se controla el tiempo de exposición a la luz que se le da a la pelicula.
8.- Anillo de enfoque: Da nitidez a la imágen, enfoca.
9.- Dial de diafragma: Permite entrar la luz necesaria.
10.- Lente
2.- Dial de velocidades: Es el que selecciona la velocidad de obturación a la cual va a trabajar la cámara.
3.- Zapata caliente: Es donde se inserta el flash.
4.- Botón de disparo: Es la que permite disparar y tomar la fotografía.
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| Parte superior de la cámara. |
5.- Palanca de rebobinado: Permite introducir la película en el chasis después de haber sido expuesta.
6.- Mirilla: Es por donde se ve la imágen que va ser fotografiada.
7.- Obturador: Es una cortina de metal o tela que se controla el tiempo de exposición a la luz que se le da a la pelicula.
8.- Anillo de enfoque: Da nitidez a la imágen, enfoca.
9.- Dial de diafragma: Permite entrar la luz necesaria.
10.- Lente
viernes, 27 de mayo de 2011
Fotograma
La primer práctica del cuatrimestre consistía en realizar un fotograma en el laboratorio de fotografía.
Necesitamos:
Hoja de acetato
Plumón de aceite negro
Se trata de plasmar con el plumón algun dibujo en el acetato cuidando que la luz no pase por la hoja, es decir la parte dibujada con el plumón debía verse totalmente negro a contra luz, la imágen al pasarla al papel fotográfico sale al revés, la parte sombreada con plumón será la parte blanca y lo que no se marcó sale en negro.
Después de un proceso químico esto fue lo que obtuve:
Necesitamos:
Hoja de acetato
Plumón de aceite negro
Se trata de plasmar con el plumón algun dibujo en el acetato cuidando que la luz no pase por la hoja, es decir la parte dibujada con el plumón debía verse totalmente negro a contra luz, la imágen al pasarla al papel fotográfico sale al revés, la parte sombreada con plumón será la parte blanca y lo que no se marcó sale en negro.
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| Fotograma |
La Luz, materia prima de la Fotografía
Es importante conocer sobre la luz porque sin ella no se puede obtener una fotografía y es por esto que la palabra viene de los vocablos photon (luz) y graphos (escritura).
La luz es una onda compuesta por fotones que viaja desde una fuente ya se un foco o hasta la misma luz solar. La forma en que se va comportar depende del matrial en el que incide, y así tenemos una clasificación de materiales segun el comportamiento:
Cuerpos opacos - Bloquean el paso de la luz y absorben la mayoría de los rayos. Ej: Madera y metal.
Cuerpos transparentes - No bloquean absolutamente nada y dejan pasar la luz. Ej: Agua y cristal
Superficies pulidas - Reflejan la luz Ej: Vidrio o metal
Superficies texturizados: Dispersan la luz en todas las direcciones.
Como ya se mencionó, la luz es una onda y dependiendo a la longitud que esta tenga va ser el color que percibamos;
Longitud de onda corta: Azul
Longitud de onda media: Verde
Longitud de onda larga: Rojo
Y con estos obtenemos los Colores Luz Primarios.
RGB = Red, Green, Blue
CMYK = Cyan, Magenta, Yellow, Black
Las cámaras tienen por dentro 2 tipos de lentes cuya función es recibir la luz y cambiar su dirección para crear una imágen.
Lente convergente: Une la Luz en un solo punto.
Lente divergente: Lo contrario al convergente, abre los rayos de luz
La luz es una onda compuesta por fotones que viaja desde una fuente ya se un foco o hasta la misma luz solar. La forma en que se va comportar depende del matrial en el que incide, y así tenemos una clasificación de materiales segun el comportamiento:
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| Cuerpo opaco |
Cuerpos opacos - Bloquean el paso de la luz y absorben la mayoría de los rayos. Ej: Madera y metal.
Cuerpos transparentes - No bloquean absolutamente nada y dejan pasar la luz. Ej: Agua y cristal
Superficies pulidas - Reflejan la luz Ej: Vidrio o metal
Superficies texturizados: Dispersan la luz en todas las direcciones.
Como ya se mencionó, la luz es una onda y dependiendo a la longitud que esta tenga va ser el color que percibamos;
Longitud de onda corta: Azul
Longitud de onda media: Verde
Longitud de onda larga: Rojo
Y con estos obtenemos los Colores Luz Primarios.RGB = Red, Green, Blue
CMYK = Cyan, Magenta, Yellow, Black
Las cámaras tienen por dentro 2 tipos de lentes cuya función es recibir la luz y cambiar su dirección para crear una imágen.
Lente convergente: Une la Luz en un solo punto.
Lente divergente: Lo contrario al convergente, abre los rayos de luz
jueves, 26 de mayo de 2011
Historia de la Fotografía
Para hablar de la Fotografía necesitamos abordar las bases que dieron paso a la creación de la foto en sí.
En el año 300 a.c. Aristóteles creó la cámara oscura siendo esta la primer base de la fotografía. La palabra cámara significa habitación o cuarto, por lo tanto la cámara oscura era simplemente una habitación cerrada con un agujero pequeño por donde entraba la luz y que reflejaba en la pared opuesta la imágen de lo que estubiera de frente a ella.
Durante el siglo XVII se hicieron experimentos con sales de plata observando sus propiedades fotosensibles y la cámara pasaba a ser una herramienta de madera.
El científico francés Nicéphore Niepce, en el año 1826, logra tomar las primeras imágenes fotográficas con la cámara oscura. En ese mismo año tomó la primer fotograía de la que se tiene registro y que aún se conserva con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata, la exposicion era de varias horas lo que hacía muy complicado el proceso y con resultados no muy buenos.
El investigador y cinetífico Louis Jacques Mandé Daguerre, amigo de Niepce, conocía todos los estudios de este y el día en que Nipece muere, Daguerre continúa los experimentos y reduce el tiempo de exposición a minutos con el Daguerrotipo, llamado así por obvias razones. La plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, William Fox Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo.
En 1888 George Eastman sacó al mercado la cámara fotográfica a todo el público.
En el año 300 a.c. Aristóteles creó la cámara oscura siendo esta la primer base de la fotografía. La palabra cámara significa habitación o cuarto, por lo tanto la cámara oscura era simplemente una habitación cerrada con un agujero pequeño por donde entraba la luz y que reflejaba en la pared opuesta la imágen de lo que estubiera de frente a ella.
Durante el siglo XVII se hicieron experimentos con sales de plata observando sus propiedades fotosensibles y la cámara pasaba a ser una herramienta de madera.
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| Primera fotografía: Vista desde la ventana en Le Gras |
El investigador y cinetífico Louis Jacques Mandé Daguerre, amigo de Niepce, conocía todos los estudios de este y el día en que Nipece muere, Daguerre continúa los experimentos y reduce el tiempo de exposición a minutos con el Daguerrotipo, llamado así por obvias razones. La plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, William Fox Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo.
En 1888 George Eastman sacó al mercado la cámara fotográfica a todo el público.
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